Tegning

Oljemaleri: Cecilia Beauxs Legacy

Oljemaleri: Cecilia Beauxs Legacy

En udstilling på Pennsylvania Academy of Fine Arts i Philadelphia sigter mod at præsentere Cecilia Beaux for den store maler, hun var: en af ​​de mest dygtige blandt både mænd og kvinder.

af Lynne Moss Perricelli

Ved første øjekast, Cecilia Beaux (1855–1942) ser ud til at være en kvinde, der er typisk for sin tid, idet hendes familieforhold i vid udstrækning styrede sit livsforløb. Et kig på Beaux's liv viser imidlertid, at kunstneren i stedet for at indtage konventionelle roller som kone og mor, fokuserede på at udvikle en karriere og fortsatte med at blive en af ​​dagens førende samfundsportrettere. Men som kurator Sylvia Yount argumenterer i kataloget, der ledsager udstillingen ”Cecilia Beaux: American Figure-Painter,” var hun aldrig blot et portræt af samfund. ”Beaux's interesse i at udforske linjen mellem portrætter og figurmaleri, på et tidspunkt, hvor sidstnævnte genre bredt blev betragtet som den fremtrædende måde i amerikansk kunst, ligger bag hendes kritiske omdømme. Beaux flyttede sig fra de specifikke og personlige bekymringer ved portrætter til det, der i vid udstrækning blev fortolket som den generelle og universelle kvalitet af figurmaleri og fangede kulturelle spændinger og overgange, der resonerer i dag. ”

Den rejseudstilling, der er vist på sit endelige sted på Pennsylvania Academy of Fine Arts, i Philadelphia, 2. februar til 13. april, undersøger kunstnerens næsten 40-årige karriere med mere end 85 værker, hvoraf mange aldrig har været set offentligt. Når showet lyser, udgjorde Beauxs familiemedlemmer og venner størstedelen af ​​hendes emne, og på disse billeder udforskede hun skildringen af ​​en persons karakter samt kompleksiteten i familieforhold. Disse æstetiske mål kombineret med hendes færdigheder i maleri gjorde det muligt for hende at konkurrere fra starten af ​​sin karriere på den større arena - med mænd - om status i kunstneriske kredse. Hendes præstationer blev almindeligt anerkendt i hendes levetid, men blev stort set glemt, indtil ca. 40 år efter hendes død, da kvindernes frigørelsesbevægelse genoplivede interessen for hendes karriere.

På trods af sin succes som maler, havde Beaux en relativt begrænset formel uddannelse i kunst, studerede ved Pennsylvania Academy of Fine Arts og privat sammen med William Sartain (1843–1924), hvis tilgang hun meget foretrækkede frem for den mere kliniske, der blev udtalt af Thomas Eakins på akademiet. Sartain hjalp hende med at blive dygtig til at male figuren fra livet, hvilket førte til færdiggørelsen af ​​maleriet, der effektivt lancerede hendes kunstneriske karriere: Les Derniers Jours d’Enfance. Billedet er afbildet af sin søster Etta og hendes nevø, Henry Sandwith Drinker, og det går langt ud over portrætter for at gøre, som Yount beskriver det, ”en universel erklæring om et bestemt barndomsstadium og de komplekse ændringer, der følger med det. Beaux betragtede selv det intime arrangement af fire hænder i midten af ​​kompositionen for at være maleriets symboliske crux. ”

Ved at skabe maleriet lavede Beaux først en lille kompositionsundersøgelse i olie. Derefter skabte hun indstillingen i sit studie ved at arrangere familie arvestykker, møbler og tøj for at formidle den personlige følelse, hun ønskede. Kritikere priste værket, da det blev vist i 1885 på American Art Association Prize Fund Exhibition og senere på Pennsylvania Academy's årlige udstilling i 1885, hvor det vandt Mary Smith-prisen. Pressen glædede sig også over maleriet, og det imponerede så en ven af ​​Beaux, at hun sendte det til Paris med venen til salongen i 1887. Det blev accepteret og hængt, hvilket fik kunstneren til at træne på atelierne i Paris kort efter, en livslang ambition, hun endelig realiserede i den relativt modne alder af 33 år.

Succesen med Les Derniers Jours d’Enfance førte til mange vigtige kommissioner fra eliten i Philadelphia, herunder to fra lokale kirker. Hendes portræt af præsten William Henry Furness - som var minister i den første unitariske kirke i Philadelphia og en leder blandt intelligentsiaen i Philadelphia - blev meget beundret og hjalp Beaux med at få adgang til en progressiv cirkel. Hendes portrætter af mænd i denne periode blev efterfulgt af kommissioner for portrætter af andre familiemedlemmer, herunder nogle af de barneportrætter, som hun blev så kendt for.

En af hendes mest bemærkelsesværdige børneportrætter, Harold og Mildred Colton, er hendes første dobbeltportræt, et tema, som hendes arkival Mary Cassatt også udforskede omkring denne tid. I Beaux's stykke vises Colton-børnene som selvforsikrede individer med selvtillid langt ud over deres år. Interessant, som Yount forklarer, er præsentationen både traditionel og innovativ. Drengen holder en pisk, et symbol på maskulinitet, mens pigen holder et æble, en markør for den kvindelige natur i kvinden, men de modne udtryk på børnenes ansigter afslører deres særpræg. Ligesom John Singer Sargents børneportrætter antyder denne skildring det indre liv for børn med en mangel på sentimentalitet, der er grundigt moderne.

En lille pige (Fanny Travis Cochran) formidler en lignende effekt med en følelsesmæssig kompleksitet, der forudsætter emnets fremtid som militant socialaktivist. Derudover husker Beaux's håndtering af pigens tøj James Abbott McNeill Whistlers serie af piger i hvide kjoler, skønt Beaux helt klart valgte at understrege de psykologiske dimensioner af sit emne. I Ernesta (barn med sygeplejerske), Beaux afbildede også en pige i en hvid kjole, men i dette stykke valgte hun en mere dristig komposition. Olie- og grafitskitser hjalp hende med at undersøge placeringen af ​​figurerne, og ligesom Degas beskærede hun figurerne i et ukonventionelt format og brugte flydende børstearbejde og fremkaldte en følelse af liv og bevægelse. Beaux skrev, at i dette maleri håbede hun at formidle en enkelt sandhed: "at et barn i den alder bliver sædvanligvis ført af hånden."

Som Yount påpeger, Cecil Kent Drikker, et portræt af Beauxs nevø, bekræfter observationen af ​​kritikeren Leila Mechlin, som skrev, at kunstnerens portrætter af børn fanger “præcist det rigtige miljø for at understrege deres [mødernes” iboende individualitet, hvilket giver hver en enkel værdighed, der er badget uskyld og opdræt. ” De gamle mesterkonventioner, hun har brugt her, er bemærkelsesværdige, især barnets kostume og dets miniaturiserende virkning, der fremhæver sitterens mindskende egenskaber og uskyld. ”I tilfælde af den ligefremme Cecil stammer imidlertid værkets charme fra spændingen mellem hans tilsyneladende voksne tøj (især stokken) og hans fire år gamle individualitet,” skriver Yount.

Beaux var intimt involveret i sin søsters familie, men var selv barnløs, hvilket gør hende bemærkelsesværdige malerier af mødre og deres børn desto mere spændende. Mor og datter viser ligesom en usædvanlig nærhed mellem emnerne Stedman Buttrick og Son John, som fik til opgave at markere en mors død i fødsel og paralleller med de kærlige følelser af Les Derniers Jours d’Enfance. I betragtning af at Beaux's mor døde kort efter at hun fødte hende, og hendes far var også fraværende, syntes kunstneren sandsynligvis sådanne forældre-barn-temaer udfordrende eller i det mindste følelsesladet. Selvom de ofte sammenlignes med lignende billeder af Mary Cassatt, er Beaux's portrætter radikalt forskellige i deres vægt på mødernes særskilte identitet, selv når de er forbundet med en følelsesmæssig eller sammensætning. Som Nina Auerbach, medforfatter af udstillingskataloget, skriver:Les Derniers Jours d’Enfance skaber en verden unik for Cecilia Beaux. Det er høfligt, ikke forfærdeligt, men heller ikke venligt. Dets folk er for opmærksomme på hinanden til at være imødekommende. Hverken velvillig eller grusom, den indeholder hverken forening eller misbrug; kærlighed udtrykker sig i adskillelse, ikke i blanding. ”

Drømmeren, der skildrede Beaux's ven Caroline Kilby Smith, blev en favorit blandt kritikere, der hyldede emnet som en meget amerikansk pige. Indkaldt til Paris-salon i 1896 rejste maleriet sammen med fem andre: Ernesta (barn med sygeplejerske), New England Woman, Sita og Sarita, Cynthia Sherwood og pastor Matthew Blackburne Grier. Hængt sammen og i øjenhøjde blev malerierne meget rost og tjente Beaux's medlemskab af Société Nationale des Beaux-Arts. Blandt de franske kunstnere, der beundrede hende, skrev billedhuggeren Paul Bion (1845-1897) til sin ven Augustus Saint-Gaudens, at han så Beaux's bidrag som en velkommen ændring fra banaliteten i de andre amerikanske portrætter. ”Hun viser os en side af Amerika fri for skynde, pensioneret og rolig; og vi hviler indhold og meditativ i atmosfæren skabt af hendes beundringsværdige talent, ”skrev han. Saint-Gaudens delte senere brevet med Beaux som en måde at formidle sin egen påskønnelse af hendes arbejde "på sprog uendeligt bedre end mit eget."

En periode med eksperimentering med pastel i de tidlige 1890'ere hjalp Beaux med at udforske en mere dristig farvebrug og bekræfte hendes tro på, at portrætter skulle være ”farvesammensætninger og arrangementer.” I Sita og Sarita hun udfordrede sig selv til at fremstille farverne i hvide ved hjælp af de skinnende accenter fra en impressionistisk palet. Selvom, ligesom andre Beaux-portrætter, Sita og Sarita minder om Whistlers hvide billeder, Beaux brugte kun Whistlers koncept som udgangspunkt og opfandt sin egen idé om, hvordan man bedst kan afbilde den siddende, både visuelt og følelsesmæssigt. Omkring denne tid åbnede hun et studie på Washington Square i New York City, hvor hun ville være mere centralt placeret for de kommissioner, der kom hendes vej fra hele østkysten. På trods af sin bopæl i New York opretholdt hun et tæt forhold til sin hjemby Philadelphia og især med Pennsylvania Academy of the Fine Arts, hvor hun underviste indtil 1915.

Efterhånden som hendes karriere udviklede sig, blev Beaux mere selektiv i sine fag, med fokus på suffragister, undervisere og forskellige oplyste socialiteter. "I disse værker udtrykte Beaux ideer om kvindeligt slægtskab i visuelle termer og fremsatte udsagn gennem kunst snarere end iført politiske mærker," skriver Yount. På denne måde udtrykte hun sin respekt for kvinder, der var engagerede i aktuelle emner. Eliza S. Turner er et fint eksempel.

Beaux stoppede med at male i midten af ​​1920'erne, efter at hun brudede sin hofte og hendes syn faldt som et resultat af grå stær. I 1924 bad Uffizi hende som et slags bevis på hendes internationale anseelse om at indsende et selvportræt, en ære, der kun blev tildelt tre andre amerikanere: William Merritt Chase, Frank Duveneck og John Singer Sargent. Omkring denne tid blev hun valgt til National Institute of Arts and Letters og til American Academy of Arts and Letters, ud over at modtage Chi Omega-medaljen og National Institute of Arts and Letters Gold Medal. I alle disse udmærkelser og priser blev hun kontinuerligt rost som blandt de fineste kvindelige malere, og som Yount forklarer, “det var ... hendes professionalisme og personlighed mere end hendes betydelige talenter, der syntes at sikre (og dermed til sidst til at skjule) hendes arv .” Faktisk så det ud til, at Beaux så godt kunne lide af hendes motiver og kolleger, at alle var ivrige efter at give hende den anerkendelse, hun så fortjente. Måske med denne udstilling vil hendes arbejde stå på sine egne vilkår, hvilket er uden tvivl, hvad Beaux ville hele tiden.

En tidligere redaktør af
Amerikansk kunstner, Lynne Moss Perricelli er freelance forfatter og redaktør i New Jersey.



Cecilia Beaux: Amerikansk figurmaler

Pennsylvania Academy of Fine Arts i Philadelphia er vært for det endelige sted for udstillingen fra 2. februar til 13. april. Et fuldt illustreret udstillingskatalog, som var den primære ressource for denne artikel, ledsager showet. For mere information om udstillingen eller kataloget, se www.pafa.org.

Se videoen: Cecilia Weckstrom- Being Bold and Brilliant. Cecilia Weckstrom. TEDxGreekStWomen (Oktober 2020).