Tegning

Pastel: Patricia A. Hannaway: Tegning, hvad modellen gør

Pastel: Patricia A. Hannaway: Tegning, hvad modellen gør

Californiens Patricia A. Denne dynamiske, filmatiske tilgang giver mening for en der har navngivet sig selv som en succesrig animator.

Kan du lide det, du læser? Abonnere på Tegning i dag!

af Bob Bahr

Holdning
2006, pastel på tonet papir,
21 x 12. Alle illustrationer i denne artikel
samling kunstneren.

Hvornår Patricia A. Hannaway ser nogle af de mere dynamiske malerier af Tintoretto, hun ser værket af en animatør. ”Du ville sverge, at et Tintoretto-maleri blev flyttet, når du ikke kiggede direkte på det,” udbryder hun. ”Tallene er i overgang fra den ene bevægelse til den næste; de sprænger af energi! Jeg er tiltrukket af den energi. ”

Hannaway er partisk på en måde - hun er bedst kendt for sit arbejde inden for animation. Den Californien-baserede kunstner var den senior karakteranimator for karakteren Gollum i Ringenes Herre: De to tårne, og hun arbejdede også på de animerede film Shrek og Antz. Hun skar tænderne i animationsafdelingen på Walt Disney Feature Animation, hvor hun arbejdede på Mulan. Hendes kunstværker har også tjent hende anerkendelse; hun er repræsenteret ved Kathleen Avery Fine Art i Palo Alto, Californien. Men når Hannaway ser nogle af de akademiske tegninger skabes af moderne realistiske kunstnere, er hun forfærdet. ”Udfyldning af den ydre kontur, kaldet en 'konvolut', er ikke den måde, som mange af de gamle mestre trak overhovedet,” hævder hun. ”Konvolutten stiver tegningen - det er derfor, mange akademiske tegninger kan være stive og stille. De er bare modeller på et stativ. De trækker ikke vejret eller bevæger sig. Men livet er i kontinuerlig bevægelse. ”

Start med handlingslinjen

Hannaway er overbevist om, at den bedste måde at starte en tegning på er ved først at nedlægge handlingslinjen - en linje, der viser form, kraft og retning for figurens bevægelse. ”Handlingslinjen er ikke den eksterne kontur,” siger hun. ”Du skal gøre et begrebsmæssigt spring og overveje, hvad handlingen er.” Tegn bevægelsens form, ikke tinget, siger kunstneren. Hun går ind for at holde din pen eller blyant på overfladen, mens hun tegner og tegner fra din skulder, ikke din hånd. At løfte punktet fra papiret bryder dit tankegang og får dig til at miste din plads, og Hannaway siger, at det hele skal ned på siden i en strøm. ”Når du først er blevet bedre til at skildre actionlinjen, vil du opdage, at den fungerer som en slags bøjle, og alle detaljer hænger bare af den,” forklarer hun. ”Perspektivet vil være i det, alt sammen. Det er fantastisk."

KLIK TIL FORSTØRRELSE.

For denne artikel trak kunstneren actionlinjen i tre faser af en baseballkande, der kaster en bold. I skitsen helt til venstre vinder kanden op for at kaste, og Hannaway startede ved krukens højre fod, hvor hun følte, at handlingen begynder, og trak actionlinjen op gennem benet, gennem ryggen og ind i spiralen arm. ”Energien kommer fra fødderne, og spændingen samles i den sårarm,” hævder hun. De næste to skitser viser handlingslinjer, der angiver kraften, der forlader kroppen gennem kastehånden. Gesten er overdrevet, men Hannaway ville tømme den senere, da hun udviklede tegningen.

Tegningen til højre illustrerer, hvordan handlingslinjer ikke kun viser retning, men også kraft. Bemærk, hvordan en linje, der bøjer sig opad langs figurens ryg, antyder en relativt lille kraft, mens linjen i ryggen, der bøjes udad, indebærer et stærkt skub.

”Ved at starte med handlingslinjen og forblive i den sindssind, forbliver du i søgningstilstand,” siger Hannaway. ”Hvis du er fokuseret på kontur, vil du opdage, at du overvejer behovet for at få den ene eller den anden del til at se en bestemt måde ud - du vil finde dig selv relaterer til stykkerne i stedet for at relatere ideen. Ideen er handlingen, og det er det, der skal kommunikeres. ”

Undersøgelse af mandlige figurer
2007, pastel på tonet papir,
18 x 11.

Kunstnerens skolegang var forankret i det traditionelle. Hun var hovedfag i kunsthistorie på Smith College i Northampton, Massachusetts, og tjente en M.F.A. fra New York Academy of Art. Men en anden MFA, denne inden for computeranimation, der blev optjent på School of Visual Arts i New York City, pegede på hendes nuværende karriere, og da Hannaway gik på arbejde for Disney, følte hun, at hun var ved at krydse en slags linje ind i kommerciel illustration. Hannaway føler nu, at flytningen var helt modsat. ”Jeg kan gengive alt, jeg kan få alt til at ligne et fotografi, men jeg fandt, at det var en blindgyde,” siger hun. ”Jeg er blevet overrasket over at finde en følelse af forbindelse med de gamle mestre gennem animation.” Hun begyndte at bemærke den fremtrædende actionlinje på tegninger af Michelangelo og Rubens. Hun så, hvordan Kollwitz og Degas byggede deres tegninger på figurens større gestus. Hun bemærkede de svingende hammere, opdræt af heste og kraftig brydning afbildet i Leonardos notesbøger og de flygtige øjeblikke fanget i arbejdet med Velázquez. Og hun undrede sig over dynamikken i Tiepolo's emner. ”Hans figurer vrider og drejer og er meget overdrevne, men på en eller anden måde fungerer de stadig i hans malerier,” siger Hannaway. ”Du vil sandsynligvis aldrig se nogen dreje eller dreje så meget som nogle af hans figurer - hvis du prøvede det, ville du sandsynligvis bryde ryggen. Men hvem bekymrer sig?"

Undersøg for Tempest
2006, kul og kridt på tonet papir,
24 x 18.

Pointen er ikke overdrivelsen. Det er sådan, at handlingslinjen, gestus, bruges til at fremme den større kompositionsidee. ”Nogle gange forvrænger jeg kroppens former for at fremhæve handlingslinjen,” siger hun. ”Uanset hvad der får tegningen til at virke og læse ordentligt på papir, det er hvad jeg prøver at opnå. Jeg kopierer ikke det, jeg ser; Jeg skubber ind i posisen og bruger modellen som reference. ” Hannaway understreger, at en kunstner altid kan tone det ned, hvis actionlinjen er for ekstrem. ”Men gå altid til det ekstreme, og træk det derefter tilbage,” råder hun. ”Det er meget vanskeligt at gøre et dødbringende positur mere dynamisk. Jeg gør actionlinjen mere ekstrem end den er i det virkelige liv, så når jeg giver mig ovenpå, er der en vis bevægelse tilbage. ”

Tal, der beskæftiger sig med dramatiske bevægelser, er ikke de eneste med en handlingslinje. Ethvert organ, der har vægt, har en handlingslinje. I en stående figur beskriver handlingslinjen, hvordan vægten håndteres af kroppen: hvilket ben bærer mest, hvis det, hvilken hofte er udbukken, hvilken skulder reagerer ved let at dyppe, hvordan rygsøjlen krummer - selv hvordan hovedet holdes ved halsen. ”I en stående stilling er handlingens kraft vægten, der går ned i gulvet,” siger Hannaway. At bestemme hvor vægten, kompressionen eller forlængelsen er i en position giver retning til en sådan tegning og bestemmer interessepunktet.

Strejke!
2005, kul på flødepapir, 24 x 18.

Kunstneren har nogle enkle råd til tegnere, der ønsker at lære, hvordan man hurtigt og præcist sætter handlingslinjen: Gå til zoologisk have og tegne aber. De tvinger dig til blot at fange den måde, de bevæger sig på - de vil ikke stå stille nok til omhyggelig gengivelse. ”Du kan ikke fange deres konturer,” siger kunstneren. ”Men du kan fange handlingslinjen og følgelig essensen af ​​aben. Se vægtoverførslen, de typiske handlinger, hvordan den sidder. Lær dyrets karakter. Se hvordan det hænger og svinger, hvordan spændingen fungerer i kroppen. Du kan ikke bekymre dig om fluen i øret eller andre detaljer. ” Hannaway understreger handlingslinjen til det punkt, at hun er villig til at ofre anatomisk korrekthed, og hun citerer Goya som et overbevisende eksempel på dette koncept, især de meget effektive tegninger af hans The Disasters of War-serie. "Ingen er interesseret i, at anatomien på en arm eller skulder muligvis ikke stemmer med en af ​​dem," forklarer kunstneren. ”Den måde, hvorpå armen trækkes, tjener den magtfulde idé bag tegningens design.” Det kan føles svært at ignorere teknik i de fleste tilfælde, men Hannaway tjener en anden mester. Hun er i ubarmhjertig forfølgelse af "ideen", og denne idé kommer til udtryk mere i handlingslinierne for figurer i hendes stykker end i deres overfladeinformation. Hendes kunst handler om ting, der sker, begivenheder, der skal opstå, eller der skal ske. Hun kan lide det med filmskabelse - undtagen at en maler er begrænset til kun en ramme. Denne kunstner værdsætter kinestetikum over kun det nøjagtige.

Faktisk er essensen af ​​Hannaways tilgang indkapslet i et motto, som hendes mentor, Jim Smyth, fremsatte: "Tegn, hvordan modellen gør, ikke hvordan den ser ud." Hun forklarer, at denne tankegang fremmer en dialog mellem kunstneren og modellen, der gør det muligt for kunstneren at fange de større relationer og ”føle” posituren i sin egen krop, når hun tegner. ”Min tankeproces, som jeg tegner, er: Modellen er slags at gøre dette og slags gøre det - jeg bliver engageret i, hvad modellen gør, og mentalt tager jeg posituren og føler bevægelsen i min egen krop. Dette overføres til siden via en aktiveret linje; tegningen går fra en indre følelse udad. I modsætning hertil, når fokus er på, hvordan modellen ser ud, lukkes denne dialog. Pludselig handler tegningen om overfladedetaljer og tegning af en ekstern kontur. Det fortsætter med at 'udfylde' en kontur i stedet for at 'føle ud' de større forhold og vægt. Intet dræber en tegning hurtigere end den tankeproces! Jeg gengiver kun det, der forbedrer gestus. ” Hannaway nævner tydeligt, at ordet animere stammer fra latin animatus- "at give liv til."

Hvis det er en vanskelig opgave at slå den delikate balance mellem en stærk handlingslinje og en uhensigtsmæssigt overdrevet en, er Hannaways modvilje mod tæt gengivne tegninger en endnu vanskeligere: At vide, hvor meget detaljer der er nok - at vide, hvornår man skal stoppe. ”Animationstegning - og efter min mening store fine kunsttegninger generelt - favoriserer kun at fange det, der er essentielt for en karakter eller form i modsætning til at gengive en forms overfladekvaliteter,” forklarer kunstneren. ”En god tegning fungerer indefra og ud, fra det generelle til det specifikke.” Hun opsummerede det ved blot at sige, at flere detaljer ikke resulterer i større sandhed eller nøjagtighed. ”Den intellektuelle skelnen ved, hvad man skal understrege, er den store glæde ved at lave en spændende og animeret tegning,” forklarer Hannaway. ”En tegning, der understreger bevægelse, er mere sandfærdig end et fotografi, der fryser en figur på et øjeblik. Store kunstnere sigter mod at fange essensen af ​​modellen, og det er hvad animatorer går efter. ”

Hun husker kærligt, hvordan Disney arrangerede en gigantisk firben til at besøge deres kontorer, når animatorerne havde brug for at studere dyrets bevægelse for at skabe en karakter, og hvordan kunstnerne ville tilbringe en dag med at tegne en levende falke som forberedelse til en bestemt scene med den fugl i det. ”Tegning er som at trække vejret hos Disney,” siger Hannaway. ”Folk der ikke tænker engang over det, det er så naturligt, og de er så gode til det. Så i stedet for at tegne, hvad du ser, tegner du til forstå noget." Det er ikke, at tegning ikke er vigtig; Hannaway trækker stadig fra livet mindst 10 timer om ugen, og hendes idé om en god dag tegner kunderne på en café i timevis. Men tegningen handler ikke om at vise eller retfærdiggøre en teknik eller skabe en fotografisk lighed. Det er at opbygge en bank med mentale billeder; at observere og lære om hendes miljø, fysik og menneskehed; og at internalisere de vigtigste elementer i positioner og former, så hun kan få dem til at tjene sine formål. ”Design i en komposition er altid prioritet - jeg ofrer alt for designet,” siger kunstneren. ”På baggrund af designet trækker jeg derefter ting, jeg vil fremhæve. Det er valg, og det har meget lidt at gøre med at male det, jeg ser. Designet bestemmes af ideen, og ideen er det, jeg ønsker at formidle. ”

ømhed
2007, pastel på tonet papir, 21 x 13.

For nylig har det betydet store tematiske figurative malerier. Hannaway udfører mange trækul- og gouacheundersøgelser som forberedelse til et maleri, derefter maler hun små olieundersøgelser for at regne ud belysningen for stykket og for at klarlægge sammensætningen. Aktuelle begivenheder og moderne menneskelig adfærd udgør emnet. ”Jeg synes, det er vigtigt for kunstnere at være samvittigheden i deres tid,” siger hun. ”Det er godt at lære om materialer og færdigheder fra tidligere århundreder, men kunsten skal være af vores verden. Jeg søger efter mening i den menneskelige tilstand. ”

Om kunstneren

Patricia A. Hannaway vandt en M.F.A. i computeranimation fra School of Visual Arts og en M.F.A. i figurmaleri og tegning fra New York Academy of Art, begge i New York City. Hun var seniorperson for animatøren for filmtrilogien Ringenes Lord og hendes andre kreditter inkluderer arbejde med filmene Mulan, Shrek og Antz. Kunstneren har undervist i tegning og animation ved Stanford University i Palo Alto, Californien. Hun var modtager af et Andy Warhol Foundation-stipendium. Hannaway er repræsenteret ved Kathleen Avery Fine Art i Palo Alto, Californien. For mere information om kunstneren, kan du besøge hendes hjemmeside på www.patriciaahannaway.com.

Kan du lide det, du læser? Abonnere på Tegning i dag!


Se videoen: Visiting Professors: Meet Patricia Hannaway (August 2021).